С недавней съемки в Новодевичьем парке. Снимал с двумя вспышками. Больше фото у меня на сайте

Когда вышла Canon 5D m2 я понял, что это уже будущее. Камера снимающая с Full HD качеством и сменной оптикой – это реально круто!

Мой первый опыт съемки видео был относительно недавно, когда Эдуард снимал с танцорами и я решил сделать для него бекстейдж. Снимали в студии Loft. До этого я держал камеру наверно в конце 90-х. Снимал я правда на видеокамеру. Монтировать видео оказалось очень увлекательно и теперь я жду появления у никона зеркалки снимающей full HD видео. Может быть это будет Nikon D700x, D800 или даже D900. Слухи ходят разные. Но узнаем мы это не позже лета. Именно летом 2008 вышла D700 порвавшая рынок и подсадившая на себя всех кому не по карману оказалась более продвинутая камера – D3.

Так, что ждите полноценного прихода HD видео на профессиональные камеры Nikon.

Вот сам бэкстейдж со съемки в студии. А к студии loft рекомендую присмотреться, студия новая, приборы новые, отличная зона отдыха, где можно выпить чая до или после съемки. Рядом со студией несколько кафе с нормальной едой. Сделано все с умом, и загруженность пока не 100%.

А вот что снимают на зеркалки еще:

Timescapes Timelapse: Mountain Light from Tom Lowe @ Timescapes on Vimeo.

Timescapes Timelapse: Learning to Fly from Tom Lowe @ Timescapes on Vimeo.

Kiel Johnson’s Cardboard Twin Lens Reflex Camera Time Lapse from Theo Jemison on Vimeo.

Another Cloud Reel … from Delrious on Vimeo.

Egypt / Lebanon Montage from Khalid Mohtaseb on Vimeo.

Cover creation from Peter Belanger on Vimeo.

Chapter 1: The Cabbie from Vincent Laforet on Vimeo.

Сделал большой видеоурок по обработке портрета. Видеоурок можете посмотреть прямо здесь. А статью с подбробные описанием на fototips.ru

Очень рекомендую включить режим высокого разрешения.

“Надо питать мозги”, – так говорит Эдуард Крафт на своих мастер-классах. И, скажу вам, он прав. Очень сложно двигаться вперед не давая себе подпитку новыми впечатлениями, мыслями и идеями.

Как это сделать? Открывайтесь для всего нового. Это не только просмотр работ мастеров фото и графики, это может быть все что угодно: музыка, кино, анимация, книги и т.д. Я стараюсь чередовать креативную составляющую с технической. Что в итоге позволяет мне развиваться во всех направлениях.

В сети можно найти массу интересных сайтов, где можно посмотреть работы известных авторов, рекламных студий и узнать как снимают профессионалы. В этих работах есть очень много того, что поможет запитать мозги.

Сайты для мышления

2photo.ru – сайт постоянно обновляющий подборки интересных фотографов.

kulturologia.ru – интересный блог о культуре и искусстве.

advertka.ru – самый популярный сайт о рекламе в рунете.

ibelieveinadv.com – англоязычный сайт с подборкой интересной рекламы.

strobist.blogspot.com – сайт с бездонной подборкой материалов о съемке. Очень нравится раздел, где они отвечают на вопросы фотографов о том как решить сложную задачу. Например, как снять бо-о-ольшую группу людей в бо-о-ольшом темном зале.

cgtalk.ru – здесь тусят профессионалы по компьютерной графике, масса материалов + форум

www.deviantart.com – один из популярнейших хостингов для художников всех мастей.

webdesignledger.com – сайт о web-дизайне, но выполнен настолько интересно и выкладывает такие интересные материалы, что решил добавить его для разнообразия.

Знаете больше? Пишите в комментарии.

Персональные сайты фотографов:

Joe Mcnally – гуру съемки с вспышками. Если вас прикалывает эта тема – обязательно посмотрите его видео Nikon School: Guide to Creative Lighting.

Dave Black – Очень много информации о съемках.

Dustin Diaz – Чумовой парень, поставил себе задачу снимать по одному фото в день в течении года. К каждой фото выкладывает схему расстановки света. Если вы будете снимать так же упорно, схемы вам будут не нужны.

David Bergman – интересный автор, коротко и по делу рассказывает о своих съемках.

Немного интерактива

Время от времени (чаще всего на том же 2photo.ru) находятся очень интересные и необычные видео:

P.S.

Даже ваш крыс может стать героем

Как снимать дым, как настроить камеру, как поставить свет?.. Ответы на эти вопросы, вы найдёте в этой статье..
Откуда я всё это знаю? Фото к статье сделано мной. Её успех на истоке:

• Более 1000 продаж
• 49360 скачиваний во время акции “Бесплатное фото недели”
• Более 150′000 просмотров

Структура дыма. Резкость.
Вопрос: имеет ли дым такое понятие как четкость. Отвечаю: да!
В дыме резкость проявляется на краях потока, там, где эта бесформенная масса имеет не округлые бока, а острые. Понаблюдайте за дымом и вы меня поймёте.

Подготовка к съёмке.
Моя техника: Nikon D200 с линзой AF Micro Nikkor 60mm f/2.8, вспышка Nikon SB-800. Вся сцена состояла из чёрного фона и палочки благовоний.

В качестве фона я использовал чёрный картон. Чем дальше картон от дыма, тем меньше света на него попадает и соотвественно, тем лучше выделяется дым на идеально чёрном фоне.

Я не рекомендую ставить камеру на штатив. Дым живёт своей жизнью, и ловить эти моменты лучше без штатива. Плюс замысловатые рисунки бывают разного размера, поэтому кадрирование здесь играет важную роль.

Выбор оптики.
Снимаемый объект очень динамичен. Для съёмки подвижного и меняющего объём объекта лучше всего подходит зум объектив. У зума есть как минимум два преимущества. Во-первых, сама возможность зуммирования. Во-вторых большая глубина резкости на широком угле.

Освещение.
Чтобы осветить дым, я поставил вспышку сбоку от дыма, направил её перпендикулярно оптической оси объектива.
Поджигал с помощью встроенной вспышки (Учим встроенную вспышку «вести» внешнюю), работающей с минимальной мощностью и частично закрытую, чтобы не засветила фон.

Сбоку от внешней вспышки я поставил две черные картонки, чтобы не “поймать” импульс при кадрировании и не освещать фон, который должен быть максимально черным, для упрощения постобработки.

Способ фокусировки.
Дым динамичный, бесформенный. Как вы понимаете, для точной и быстрой фокусировки нужен контрастный объект. Фокусироваться на палочку не надежно, ведь дым движется во всех трёх измерениях. В Nikkor 60mm f/2.8 оказалось очень удобное кольцо фокусировки с большим ходом (я писал свои впечатления о этой линзе). Ручной фокус использовался чаще, а автофокус – когда уставали глаза. Автоматическая и ручная фокусировка дали примерно равное количество резких кадров. Разница этих методов только в скорости. Если промахивается объектив, то он делает полный оборот, а это долго. Автоматическая фокусировка точнее, и я оперативнее реагировал на изменение потока. Следящий фокус я не долго использовал, в следующий раз уже попробую ручной и следящий.

Выдержка и Диафрагма.
Диафрагма также играет большую роль. Я старался закрывать диафрагму до 8-11, как вы знаете, это тот диапазон, при котором большинство объективов выдают максимум возможностей и качества картинки. Чем больше ГРИП, тем больше резких элементов будет внутри дыма.
Выдержки синхронизации (1/60) вполне достаточно для съёмки дыма.
Чувствительность ISO 100 даёт хороший результат..

При увеличении экспозиции из дыма лезет сильный шум. Поэтому кадр лучше немного переэкспонировать, чем недоэкспонировать.

p.s. картинка постановки света сделана с помощью PSD подсмотренного у Светляка

Предисловие: Недавно я спросил Илью Луцкера (Интервью с необычным макрофотографом.) как снимать капли. Через день он показал форум, где поднял этот вопрос. И вот, через некоторое время, он прислал мне статью, написанную Дмитрием Доливо-Добровольским посвящённую фотосъёмке капель. Дмитрий подошёл к вопросу очень серьёзно и основательно..

Начну с небольшой предыстории. В одной из веток форума Макроклуба был задан вопрос о том, как лучше снимать капельки – но не висящие на листиках-травинках-паутинках, не падающие из крана и не взрывающие фонтанчики и кратеры на поверхности воды, а просто рассеянные по некоторой поверхности, перпендикулярной оси объектива фотоаппарата (как тут). Согласитесь, что эта довольно узкая тема – почти классический макро-сюжет (актуальный, скажем, для всяких дизайнерских разработок в области фактур, абстрактных фоновых изображений и т.п.).

Я таких капелек ещё никогда не снимал (роса на листиках не в счёт) и решил попробовать, не откладывая дела в долгий ящик…

Первый момент – что снимать, капельки какого вещества? Мне лично хотелось, чтобы капельки были правильной круглой формы и достаточно высокими, «объёмистыми». Некоторые специалисты советуют снимать глицерин – но я решил, что и обычная вода тоже отлично подойдёт для этих целей. Во-первых – за глицерином ещё надо куда-то идти, покупать, экономить его… А воды почти всегда полный кран и, притом, – почти задаром! Набрызгал капелек, поглядел – и, если не вышел желаемый рисунок, процесс можно повторять снова и снова. Однако у воды есть и неприятное свойство: она довольно сильно смачивает гладкое и прозрачное стекло – тот материал, который сразу напрашивается в качестве одной из подложек для капелек (если мы хотим их снимать на просвет). Капельки упрямо растекаются по стеклу и принимают неправильные формы. И, при этом, чем чище отмыто стекло от следов пальцев и прочей жирной грязи – тем хуже выходят капельки. Как говорят: «вода хорошо смачивает стекло» – а это для нас плохо!

Сделаю небольшое отступление: о том, какой величиной пользуются, когда хотят сравнить смачиваемость всяких поверхностей жидкостями. Для оценки этого важнейшего в нашем деле параметра используется краевой угол смачивания – наклон капельки на контакте с поверхностью. Если этот угол < 90°, то поверхность считается «-фильной» по отношению к жидкости (в случае воды – «гидрофильной»), угол > 90° – «-фобной». Так вот оказывается, что чистое стекло довольно-таки гидрофильное: его краевые углы смачивания водой около 30-40° (в зависимости от чистоты и марки стекла).

Однако если мы хотим получить россыпь идеально круглых капелек, то нам нужна только гидрофобная поверхность! Понять это несложно: если краевой угол смачивания < 90°, то на снимках оказываются видны непосредственные контакты капель со стеклом, – а они редко бывают идеальными (чаще всего эти границы представляют собой ломаные линии, иногда с некрасивыми дефектами на изъянах стекла и случайных пылинках). В случае угла > 90° (гидрофобных поверхностей) эти границы загораживаются нависающими над ними боками капли – а уж границу-то капли с воздухом можно смело считать идеально гладкой!

Попутно замечу, что и у глицерина со стёклами краевые углы смачивания примерно такие же, как и у воды… Насколько я знаю, главными достоинствами глицерина, как заменителя воды при съёмке капель, считаются то, что он не высыхает под жаркими студийными осветителями и что он медленнее сползает по наклонным/вертикальным поверхностям из-за высокой вязкости. Но это ведь относится к съёмке всяких не-макро предметов для рекламы (скажем, сегодня не вышел натюрморт из бокала ярко-жёлтой жижи с кубиками желатинового «льда» и стеариновым «яблоком», покрытым глицериновыми каплями «росы» – так можно завтра продолжить с теми же жижей, «льдом», «яблоком» и «росой»), а сие – не наш случай! Нам никто не запрещает снимать и на горизонтальных поверхностях, испепеляющий свет использовать необязательно (а если капли слишком высохнут или рисунок уже весь изучен вдоль и поперёк и наскучил – не проблема набросать их снова). Ещё догадываюсь, что глицерин не так просто красиво разбрызгать. Его крупные капли часто даже просто выдавливают по одной из шприца… Вместе с тем, легко испаряющаяся и подвижная вода при разбрызгивании и после него образует весьма красивые узоры с довольно закономерным распределением крупных и мелких капелек!

Это распределение особенно легко и хорошо получается при использовании регулируемых пульверизаторов, продающихся в хозяйственных магазинах: в них стоит закрутить регулятор до образования водяной пыли и распылять в помещении с достаточно высокой влажностью (в ванной, например). Самые мелкие капельки оказываются неустойчивыми и довольно быстро испаряются, при этом пересыщенный пар из них конденсируется на более крупных капельках. Чем крупнее капля, тем активнее она «высасывает» своё более мелкое окружение. Кроме того, тесно сидящие капельки и просто сливаются друг с другом. Таким образом, при стремлении всего ансамбля капелек к равновесию за счёт слияния, испарения и конденсации, получаются красивые структуры: вокруг крупных капелек появляются ореолы исчезновения мелких капелек, а расстояния между капельками одного размера оказываются почти одинаковыми – и, вместе с тем, чётко зависящими от размеров капелек. С глицерином же такое не получится: как раз потому, что он почти не испаряется… Для того, чтобы получить капли с другим, более разнообразным распределением и вариациями размеров, стоит распылять воду в два-три приёма (с небольшими перерывами).

Но вернёмся к смачиванию и тому, как его уменьшить. Первый вариант, который приходит в голову (и которым я пока воспользовался) – брызгать воду не на стекло, а на какие-нибудь другие, более гидрофобные прозрачные материалы. Очень хороши для этого различные пластики. Я, например, использовал тонкие прозрачные папки, продающиеся в канцелярских магазинах. Причём, можно купить сразу несколько папок разных цветов – они заодно послужат прекрасными светофильтрами, с помощью которых можно получить кучу цветовых и световых эффектов! Однако минусом пластиков, с которым приходится мириться, является их низкая твёрдость: при интенсивном использовании они очень скоро покрываются множеством крупных и мелких царапин, портящих не только фон, но и форму капель. Выходом из положения является предельно аккуратное обращение с прозрачными бесцветными пластиковыми пластинками, предназначенными только для капелек. Для этой цели хорошо подходят, скажем, крышки от не дефицитных коробочек для CD/DVD-дисков (очевидно, совершенно новых). Судя по снимкам, для них угол смачивания водой близок к 90°, и капельки выходят вполне гладкими и круглыми. Кроме того, некоторые фирмы (например Marumi) производят особые защитные гидрофобные светофильтры, у которых смачиваемость водой совсем мизерная.

Второй вариант (возможно, наилучший) – это обработать стекло каким-нибудь «гидрофобом». Например, средством «Антидождь» для лобовых и прочих стёкол автомобиля, либо составом для очковых линз из магазина «Оптика». Применение некоторых марок таких средств, по заявлениям производителей, позволяет увеличить угол смачивания стекла водой до величин > 90°!

Однако, вероятно, очень большие углы смачивания могут иметь и некоторые негативные последствия в виде дополнительных сложностей с освещением: его простые варианты должны приводить к слишком широким провально-чёрным краям капель (возникающим за счёт полных внутренних отражений), их придётся исправлять косыми подсветками. И тут, кстати, вода также оказывается несколько предпочтительнее глицерина из-за её более низкого показателя преломления (1.33 против 1.47 у глицерина). Но это, пока что, лишь мои предположения, нуждающиеся в практической проверке…

Pot-pourri de gouttelettes – Попурри из капелек

Дальше следует сказать о том, что, помимо формы, у изображений прозрачных капелек есть четыре главных свойства, которые делают их узнаваемыми, это:

• преломлённая, искажённая картина того, что находится позади них;
• чёткое отражение на поверхности капелек того, что находится перед ними (в том числе, блики на поверхности);
• игра света – яркие блики («рефлексы»), приходящие изнутри капелек после переотражений от стенок;
• затемнения, вплоть до провальной черноты, также за счёт полных внутренних отражений.

Последние два, очевидно, наблюдаются у краёв капелек. Кроме того, мы часто наблюдаем яркие пятна света в тени от капель на той поверхности, на которой они находятся. Различными техническими ухищрениями мы можем удалять или добавлять проявления этих свойств при съёмках, придавая водяным каплям самый причудливый вид!

Искажённая картина предметов заднего плана получается в том случае, если эти предметы существуют и находятся достаточно далеко (но главное – если капельки сферические). В нашем случае (уплощённых полусферических линзочек) резким получается только максимально близко расположенный фон (практически – только сама подложка), а все другие варианты дают размытие либо фона, либо самих капелек (по крайней мере, с объективом моей камеры и без дополнительных оптических ухищрений). Я эту особенность решил использовать для создания абстрактных композиций, в которых капельки оказываются не похожими на себя: распыляю воду на прозрачные подложки и снимаю на просвет (вернее, комбинирую контровой свет от настольной лампы с передним косым и боковым светом от лампы и/или вспышки). При этом на пути контрового света, на разном расстоянии до подложки с капельками, я ставлю те большие цветные папки-светофильтры, о которых говорил выше. Чем дальше папка от капелек – тем более размытым получается её край и плавным цветовой переход на фоне. Как-то сразу пришла в голову очень примитивная конструкция, схема которой должна быть понятной из рисунка, а конкретное воплощение-«пятиминутка» показано на фото рядом:

Сочетая разные светофильтры, можно получать, например, такие «мячики», как на последнем снимке нижнего ряда «Попурри», либо на следующих четырёх работах:

Если же надо снимать не на просвет, а с непрозрачной подложкой, то оптимальным вариантом, наверное, является такой: капельки наносятся на дополнительную тонкую невидимую и прозрачную подложку («фальшивую», возможно – цветную), которая наклеивается водой на требуемую непрозрачную подложку (либо находится от неё на очень маленьком расстоянии). Очевидно, что лампа находится над капельками. Я наношу капельки либо на папку с вставленным в неё мокрым листом-отражателем, либо на тонкую обёрточную пищевую плёнку, которая перед этим легко натягивается на отражатель или просто наклеивается водой. Так можно получить различные текстурированные изображения – как с более-менее натурально выглядящими капельками (как на первом и втором снимках второго ряда «Попурри»), так и весьма оригинальные «пупырчатые» поверхности, иногда напоминающие булыжную мостовую.

On the roads of El Dorado – Дорогами Эльдорадо

Это – голубая(!) папка с капельками, в которую была вложена тонкая мокрая алюминиевая пластина, надраенная перед этим жёсткой губкой для посуды «Эффект». Свет – косой спереди от настольной лампы и слабая подсветка вспышкой с большим рассеивателем (коррекция -2.0 EV). Цветовой баланс камеры был дополнительно сильно смещён в тёплые тона, что дало общий золотистый цвет, а голубые рефлексы от папки по краям капелек стали холодно-нейтральными.
Sony DSC-R1 + Raynox DCR-250 + DCR-150, 71.5 mm, f/8, 1/80 s, ISO 160

Отражения от верхней поверхности, значительно оживляющие капельки, проще всего получаются при использовании вспышки (в моём случае – встроенной) с рассеивателем. Я использую простейшие рассеиватели из листового пенополиэтилена толщиной 4-6 мм – дешёвого рулонного материала, используемого в строительстве и ремонте квартир для тепло-шумоизоляции (например, его кладут под ламинат). Купить его легко в крупных строительных магазинах. Вырезаю из листа правильный круг диаметром 20-30 см, на краю которого делаю отверстие диаметром чуть меньше диаметра объектива (чтобы он достаточно плотно держался). Правильная форма рассеивателя много значит, т.к. он появляется в отражениях. Конечно же, можно придумать и другие варианты освещения для создания более интересных отражений, но мне пока что хватило и такого простейшего.

Push me! – Нажми меня!

Тут снята крышка от коробочки CD/DVD-диска с капельками, висящими «вверх ногами», на фоне красной прозрачной папки и недалёкого края алюминиевого уголка. Свет – снизу от настольной лампы, отражённый золотистой крышкой для консервирования (под папкой), и подсветка вспышкой с рассеивателем (коррекция -2.0 EV). Цветовой баланс камеры – “Вспышка”.
Sony DSC-R1 + Raynox DCR-250 + DCR-150, 71.5 mm, f/9, 1/320 s, ISO 160

Игра света в капельках («рефлексы») и зайчики в их тенях на подложке получаются, если капельки подсвечивать сбоку или сверху вспышкой или лампой. Чем ближе свет к боковому, тем ярче оказываются световые рефлексы в капельках и тем сильнее затемнены их противоположные края – это видно на первых двух снимках второго ряда «Попурри». Без этих эффектов капельки выглядят довольно бедными по цветовым оттенкам, а их края выходят очень тёмными (см. крайний правый снимок верхнего ряда в «Попурри»). Хотя, и этот вариант тоже может быть востребован. Более того, иногда наоборот хочется притемнить края капелек – но, вместе с тем, оставить и «рефлексы», и отражения на поверхности, и создать какую-нибудь оживляющую кольцевую структуру внутри (или просто подчеркнуть края капель чёрными каймами). Несколько гипетрофированный пример – самый первый снимок в «Попурри». Для этого можно воспользоваться съёмкой прозрачной подложки с капельками, установленной на широкую трубу. В качестве такой трубы я использовал тубус от старого эпидиаскопа (даже с парой больших линз внутри), который можно увидеть на снимке установки слева внизу.

Несколько странные варианты (с капельками, окружёнными контрастными концентрическими кольцами) получаются, если подложку перевернуть «вверх ногами» и снимать сквозь подложку висящие капельки.

Наконец, весьма интересные результаты получаются при съёмке с поляризационными светофильтрами. Однако я эти фильтры использовал не для подавления бликов, а для создания художественных эффектов, основанных на явлении двойного лучепреломления некоторых, оптически анизотропных материалов. К таким материалам как раз относятся различные прозрачные пластики, на которые я наношу капельки. Сложим два поляризационных фильтра и начнём их поворачивать друг относительно друга. Если фильтры круговые (или круговой и линейный, как у меня), то надо ещё опытным путём выбрать, с какой его стороны смотреть. В какой-то момент (когда направления пропускания света у светофильтров окажутся взаимно перпендикулярными), мы заметим почти полное затемнение поля зрения – лишь глядя через них на яркую лампочку, мы увидим тускло светящуюся спираль и обычное для фотографических поляризаторов глубокое синее окрашивание тёмного поля. Если в таком положении между фильтрами поместить оптически анизотропный материал (тот же прозрачный бесцветный пластик), то он окрасится различными, зачастую неожиданно яркими интерференционными цветами. Этот эффект я использовал на следующем снимке, поместив крышку от CD/DVD-коробочки с капельками между двумя поляризационными фильтрами и снимая этот «бутерброд» на просвет. При этом интересные световые эффекты дали и капельки, находящиеся на пластиковой подложке.

Drop the Boss – Главная капля

Так выглядят капельки на крышке от CD/DVD-коробочки, находящейся между двумя поляризационными фильтрами в положении максимального погасания. Свет – от настольной лампы снизу (отражённый от зеркала) и подсветка вспышкой с рассеивателем сверху (коррекция -2.0 EV). Для съёмки выбрано место сбоку от самой яркой интерференционной окраски.
Sony DSC-R1 + Raynox DCR-250 + DCR-150, 71.5 mm, f/8, 1/80 s, ISO 160

Завершая рассказ, могу надуть грудь колесом и заявить, что при создании окончательных вариантов почти всех этих изображений был использован минимальный набор средств ФотоШопа: обрезка краёв (мои макролинзы дают весьма заметное виньетирование с объективом камеры Sony DSC-R1), чистка шумов, замазывание слишком некрасивых царапин и пылинок, повышение чёткости и уменьшение картинок до WEB-размера. Ну, ещё рамочки, конечно… Цвета и общие контрасты оставлены оригинальными (только в “Между небом и землёй” был существенно усилен цвет неба, а в “Нажми меня!” – контраст).

Надо сказать, что такие съёмки капелек оказались довольно увлекательным занятием, настоящей игрой с пульверизатором, светофильтрами, светом и настройками камеры!

В заключение я хочу поблагодарить членов Макроклуба Александра Потапова (dreamcatcher), Илью Луцкера (Limar) и Евгения Фёдорова (Gene) за большой труд по рецензированию статьи; большую часть их критических замечаний я постарался учесть.

Автор: Дмитрий Доливо-Добровольский (aka Dima DD)
Санкт-Петербург, 3 марта 2008 г.

Выражаю признательность автору за подробное и очень интересно описание процесса съёмки.

Обсуждение статьи на форуме
Источник: Макроклуб

Интересная статья, которая поможет вам правильно строить композицию кадра или рисунка с точки зрения психологии.

Помните смысловые слои Аркурса? Это теже яйца только сбоку.

Любой человек без труда покажет, где находятся верх и низ.

Практически все согласятся с тем, что направление вперед смотрит направо, а назад — налево. Это подкрепляется и направлением письма в западной культуре, и ходом часовой стрелки (изобретением северного полушария), и ощущением пути движения жизни у многих людей.

Совместим эти четыре основных направления, а заодно изобразим суммы векторов, что в результате даст восемь сторон.

Не будем соблазняться схожестью этих направлений с частями света, потому что в разных странах люди по-разному представляют себе мир: для монгола вперед однозначно означает движение на юг, а для жителя европейской части России, к примеру, юг расположен внизу, там, где Крым (а вовсе не Куба).

На нашей схеме видно, что сумма векторов вверх и вперед представляет собой направление в сторону правого верхнего угла. Это самый «позитивный» угол направления движения в двумерном пространстве. В противоположной стороне располагается, соответственно, самый «негативный» угол. Стремление в левый верхний угол может рассматриваться как движение наверх, но «не туда», а в правый нижний — как стремление «вперед к провалу». Объект, расположенный в середине, как правило спокоен и поддерживает симметричность композиции.

Посмотрим на матрицу эмоций в сборе.

И сразу же предостережем читателя от желания буквально применять ее по любому поводу — существует огромное количество исключений и частных случаев. Скажем, если на листе бумаги разместить логотип компании в правом нижнем углу (где стоят логотипы на восьми рекламах из десяти), то это совершенно не обязательно будет передавать что-либо негативное. Во-первых, композиций на одном листе может быть несколько. Во-вторых, не все объекты являются частью композиции. В-третьих, к статичным объектам данная матрица неприменима (нужно использовать другие матрицы, о них — в другой раз).

Нам известно о неудержимом желании руководителя бизнеса всеми доступными средствами рассказывать о замечательных достижениях своего предприятия. Ему в этом помогают рекламные агентства и дизайнерские студии. На самом примитивном уровне существуют представления о том, что жирный шрифт передает надежность компании,, что надпись, занимающая все пространство, заметнее надписи, вокруг которой есть воздух,, что прописные буквы смотрятся солиднее строчных и т. д. Все эти заблуждения свойственны людям с низким разрешением (см. § 132). На более высоком уровне для передачи смысла пользуются другими инструментами.

Поэтому мы попробуем аккуратно (чтобы не скатиться в шаманство и мистицизм) применить матрицу эмоций к двум логотипам нефтяных компаний — отечественной и зарубежной.

Логотип ЮКОСа раздираем противоположными направлениями. Белые диагонали стремятся в левый нижний угол. Даже если предположить, что диагонали идут в позитивную сторону, там их давит доминирующий желтый треугольник, который через секунду скатится вниз. Знак явно продавали клиенту с легендой о «самой устойчивой геометрической фигуре», но идея эта полностью дискредитирована острыми углами трех составляющих пирамиду треугольников, которые все направлены вниз. Даже прописные буквы, набранные жирным шрифтом, не в состоянии удержать такую рассыпающуюся конструкцию.

Логотип «Би-Пи» — полная противоположность. Тут мы видим симметричную, спокойную, экстравертную, солнечно-цветочную композицию, которая двумя позитивными лучами направлена в сторону двух строчных букв названия. Это динамика, которую поддерживает суперспокойствие.

Даже неподготовленный зритель заметит разницу между «загибанием» и «процветанием» — они запрограммированы в знаках.

Спорю на что угодно, что когда у корпорации «МиГ» дела пойдут хорошо, они закажут себе новый логотип, изменят курс птицы и, самое главное, перестанут использовать наклоненные влево буквы (что вообще противоестественно).

А теперь выйдем в город и посмотрим, как применяют матрицу эмоций те, кто профессионально занимается влиянием на эмоции.

источник: Артемий Лебедев

Статья фотографа Саши Света о концертной фотографии:

Я хочу рассказать вам о практике съемки концертов, о том, как действительно стать концертным фотографом, а именно:

Как получить аккредитацию фотографа.

Как снимать выступления музыкантов.

Как обрабатывать концертные фотографии.

Предисловие.

Встречая в интернете тексты о концертной фотографии, меня поражает количество «воды» и минимум практических советов в эти статьях. Да и эти «советы» сводятся к совершенно очевидным вещам:
- «На концертах плохой свет»
- «Ловите момент»
- «Ищите интересные ракурсы»

Все это и так понятно. Все это логически вытекает из самого понятия – «концертная фотография».

Именно поэтому я решил написать эту статью. Я хочу рассказать вам о практике съемки концертов, о том, как действительно стать концертным фотографом, а именно:

Выступление группы «Кипелов»

Как получить аккредитацию фотографа.

Если вы хотите сделать действительно интересные фотографии музыкантов – аккредитация фотографом на концерт необходима. В небольших клубах вам возможно и удастся подойти близко к сцене, но на крупных площадках без аккредитации это сделать никак не получится. Да и серьезное фотооборудование на концерт, как правило, без аккредитации не пронесешь.

На самом деле получить официальную аккредитацию на концерт совсем не сложно. Существует много способов это сделать, я расскажу вам о самом простом и доступном любому человеку, у которого есть желание снимать.

В интернете существует масса «музыкальных информационных агентств», а проще говоря просто сайтов, которые публикуют рецензии на альбомы, репортажи с концертов и пр. околомузыкальную информацию. И лишь единицы из них – это действительно издания в полном смысле этого слова, т.е. выплачивающие достойные гонорары журналистам и фотографам, имеющие постоянный штат сотрудников и т.п. Как правило эти издания – известные «бренды» на рынке СМИ и интернет-сайт для них лишь придаток к бумажной версии журнала.

Большинство же музыкальных интернет изданий работают на «энтузиастах». Фотографы и журналисты работают там либо безвозмездно, либо за совершенно мизерные гонорары. Но именно поэтому эти сайты нам и интересны, ведь начать сотрудничать с таким изданием может любой человек, который действительно хочет снимать и имеет хотя бы небольшое портфолио репортажных съемок.

Как это сделать?

Я не буду называть имен таких интернет-изданий. Просто потому, что знаю, что многие редактора стараются не афишировать то, как построена работа в их издании. Да и если вы действительно захотите – то просто поиском в Яндексе вы без проблем найдете с десяток таких сайтов.

Для начала напишите письма редакторам нескольких подобных изданий с предложением о сотрудничестве. Конечно, если вы к письму приложите примеры ваших работ шанс, что вам ответят сразу сильно увеличиться. Затем, скорее всего, вам дадут пару пробных «заданий» и если вы с ними успешно справитесь, то дальше пойдет уже нормальное сотрудничество, вы сможете сами «вызываться» снимать музыкантов, которые вам интересны или редактора изданий будут периодически сами предлагать вам съемки. Самой аккредитацией на концерт, как правило, занимается редактор издания, вам же будет просто сообщено когда и куда приезжать и как вы записаны в списках прессы.

Подобное сотрудничество имеет свою плюсы и минусы.
Главный положительный момент – это то, что все права на фотографию остаются у вас. Для публикации на сайте чаще всего нужна только «превьюшка» небольшого размера, оригинал фотографии и все права на него остаются у вас. А значит вы можете продать эти фотографии «серьезным» изданиям и, если повезет, получить неплохой гонорар. Также бывает, что особенно удачные кадры хотят купить поклонники группы.

Самый главный минус подобного сотрудничества (кроме самого факта, что вам не платят) заключается в том, что на некоторые концерты аккредитацию сделать не получиться. Так, например, на концерты звезд мирового уровня малоизвестным изданиям аккредитации дают крайне редко.

Но в любом случае сотрудничество с интернет-изданиями это очень хороший вариант для молодого фотографа. Кроме опыта съемки и фотографий в портфолио, вы получите много новых знакомств и, со временем, эти знакомства принесут вам клиентов и новых работодателей.

Как снимать выступления музыкантов.

Безусловно, сама тема того «как снимать» очень обширна и заслуживает отдельной статьи. Но пока постараюсь рассказать о ключевых моментах съемки.

Композиция

Один из самых простых и действенных композиционных приемов при концертной съемке – это работа с диагоналями. Т.е. когда объект копозиционно расположен вдоль диагональных линий в кадре. При съемки рок-концертов такую композицию очень часто помогают выстроить две вещи:

Гитара в руках музыканта.
Гитарный гриф уходящий в верхний угол кадра – классика концертной фотографии, которая никогда не перестанет быть актуальной.

Выступление группы «RAGE»

Выступление группы «Кипелов»

Движение рук вокалиста.
На радость фотографам многие вокалисты активно двигаются на сцене, давая возможность выстроить интересный кадр.

Выступление группы «Brainstorm»

Снимая рок-панк-метал-музыкантов очень важно передать динамику в кадре. Для этого можно воспользоваться таким композиционным приемом:

Выступление группы «Пилот»

Композиционно музыкант «выходит» из кадра. И это создает ощущение динамичности действия.

Но что делать, когда артист играет не «драйвовую» музыку? Действия на сцене мало, артист стоит в одной позе. Тогда можно попробовать выстроить композицию не только на самом артисте, но и поместив в кадр сценическое освещение, как часть композиции:

Выступление Tarja Turunen

В некоторых случаях хорошо работает такой прием:

Выступление группы «Brainstorm»

Кадр выстраивается именно на самом артисте, при этом желательно, чтобы больше в кадре не было ничего отвлекающего внимание – других музыкантов или пестрого фона. Хотя безусловно все зависит от конкретной ситуации и артиста. Например иногда в кадр можно включить элемент, который выбивается из обычной концертной атрибутики – это может сразу сделать кадр интереснее. Как в данном случае с «черепом»:

Выступление группы «Rage»

Работа со светом.

Как это ни печально, но именно от сценического света во многом зависит, какой кадр у вас получиться. Как бы хорошо вы не «ловили момент» и выстраивали композицию – плохое сценическое освещение все это загубит. Если музыкант выступает на крупных площадках (типа Олимпийского) и особенно если с ними работает хороший светорежиссер – проблем, как правило, не бывает. Но когда группа выступает в небольшом клубе или работы светорежиссера нет как таковой… тогда шансы сделать интересную фотографию близятся к нулю. На моей памяти был случай, когда на презентации одной группы в клубе Б-2 музыканты выступали вообще без сценического света . Освещение было только от обычных ламп, освещающих зал… Но это скорее исключение, обычно все не так плохо.

Самая большая проблема небольших клубов в том, что освещение там не просто слабое, но и «одноцветное» ( я не знаток свето-терминов, если кто знает, как называется такой свет – пусть меня поправит). Получается, что вся сцена заполнена, например, слабеньким красным светом. В результате сделать интересную цветную или ч/б фотографию очень сложно – картинка получается скучная. Есть один прием, который может помочь вам «раскрасить» картинку. Попробуйте во время съемки «одеть» на вспышку небольшую пластинку из полупрозрачной цветной пленки или пластика, т.е. сделать по сути обыкновенный цветофильтр. И тогда свет от вашей вспышки добавит цветов в скучное освещение.

Замечание по работе со вспышкой.

Многие концертные фотографы не работают со вспышкой. На мой взгляд это не правильно. Вспышка это рабочий инструмент фотографа. И им надо просто уметь пользоваться. Безусловно, если «лупить» вспышкой в лоб ничего хорошего не получиться. Но зачастую вспышка может отлично работать, как дополнительный источник заполняющего света. Попробуйте понизить мощность вспышки на ступень-две и направить ее немного под углом к сцене – иногда такой простой прием может сделать фотографию заметно интереснее.
Пробуйте, экспериментируйте и я уверен, что вы останетесь довольны результатом.

Общие моменты съемки.

Думаю, рассказывать о настройках выдержки и диафрагмы несколько бессмысленно – вы сами поймете, какие настройки подходят в каждом конкретном случае, сделав пару пробных кадров. Скажу лишь о некоторых вещах:

Вот и все

Мы получили те цвета, которые хотели. Потом их можно немного доработать в Photoshop, но основную обработку цветов мы сделали именно в Lightroom.

Вот еще один очень показательный пример работы с цветами.

Выступление группы «Кипелов»

Выступление группы «Кипелов»

При грамотной работе с цветами «вкусную» картинку можно сделать практически из любой фотографии, даже если условия съемки были далеки от идеала.

К сожалению рассказывать детально о всех способах работы с цветами в этой статье места не хватит… Да и не об этом статья… Главный совет, который я могу вам дать – это экспериментируйте. Просто изменяйте настройки цветов, теней, насыщенности в Lightroom и со временем вы научитесь делать такие цвета, какие вам нужны. А Lightroom хорошь именно тем, что позволяет довольно просто проводить такие эксперименты.

Работа со светом.

Самый большой простор для работы со светом и тенью, безусловно, дает Ч/Б фотография. Просто потому, что при изменении настроек света и тени мы можем не следить за изменением цветов на фотографии. Это дает нам большие преимущества – мы можем сделать сильный контраст, индивидуально затемнить или осветить любую область картинки. Для работы с Ч/Б я также рекомендую вам основную обработку делать в Lightroom, а в Photoshop уже индивидуально затемнять или осветлять части картинки.

Но для начала экспериментируете с простыми вещами – например с контрастностью Ч/Б картинки, при правильной обработке может получиться очень интересный результат:

Илья Черт

Работа с деталями.

Именно детальной обработке фотографы очень часто уделяют мало внимания. Но через работу с деталями можно заметно улучшить фотографию и сделать ее более интересной. Обработку деталей удобнее всего делать в Photoshop, приведу несколько примеров того, что можно просто и быстро сделать:

К сожалению в этой статье у меня нет возможности написать подробно о обработке фотографий – это потребует очень много места… Да и статья получиться совсем о другом:). Но самое важное это понять насколько важна обработка. Если вы хотите получить действительно красивую и интересную концертную фотографию – умение обработки вам необходимо.

Съемка пресс-конференций.

Отдельно хочется сказать пару слов о пресс-конференциях. Периодически снимая концерты вы будете попадать на пресс-конференции музыкантов. Зачастую фотографы уделяют мало внимания съемки «прессух», делая обычные репортажно-протокольные фотографии. На мой взгляд это не правильно, так как именно на пресс-конференции у вас есть возможность сделать интересный портрет артиста. Вот примеры некоторых портретов, сделанных мною на пресс-конференциях:

Борис Гребенщиков

Ron Mael

Александр Васильев, группа Сплин

Самое сложное при съёмке портретов на пресс-конференции – сделать интересную художественную фотографию в цвете. Так как освещение на прессухах, как правило, оставляет желать лучшего и получить красивые цвета на фотографии (именно художественной фотографии) очень трудно.

Зато удачно снятый портрет артиста может быть очень востребован. Так портрет Гребенщикова журнал «Медведь» купил на обложку номера, а недавно издательство АСТ предложило купить фотографию Васильева для обложки его книги (на момент написания статьи идут переговоры с издательством).

Поэтому снимайте, обрабатывайте и возможно у вас получиться очень интересный результат. Не стоит зацикливаться на «протокольных» съемках…

Пара слов о печальном.

К сожалению в России концертной фотографией зарабатывать практически не возможно. Я говорю именно о стабильном высоком доходе, а не о разовых гонорарах. На то есть масса причин, начиная от ничтожного количества печатных музыкальных изданий до отсутствия самой музыкальной индустрии как таковой. Так, что если вы думаете заработать концертной фотографией большие деньги – скорее всего вы сильно разочаруетесь.
Но если вам просто нравиться музыка, живые выступления музыкантов и вам интересно попробовать снимать концерты – тогда вперед, главное желание и все получиться.

Автор: Саша Свет
www.sashasvet.ru
———————————
Благодарю Александра за подробный и интересный материал.

Если вам понравилась статья, можете разместить её у себя с ссылкой на www.sashasvet.ru и http://photodealer.ru. Или с помощью баннера.

Код баннера для этого поста:

Макрофотография – удел не только фотографов с безумно дорогой техникой и путешествующих по экзотическим странам – можно снимать классно, и когда просто когда любишь свое дело!

Вы заинтересовались фото в школе?

В школьные годы я был увлеченным кинолюбителем, снимал на пленку, сам проявлял, монтировал…
Фотография тоже увлекала, но меньше. Дигитальная эра изменила приоритеты, переход на видео не состоялся, а вот цифровая фотография стала вторым “я”.

Расскажите о своей работе, Вы занимаетесь оптикой?

Да, я 12 лет занимаюсь оптикой профессионально. Занимался голографией, интерферометрией, сегодня разрабатываю системы оптической инспекции для проверки электронных плат.

Знания полученные на работе помогают в фотографии?

Да, конечно. Впрочем, и наоборот, увлечение фотографией, практический опыт, постоянная проверка теории практикой, помогают в работе.

Какой комплект техники Вы сейчас используете?

Камера Сanon 5D, объектив Sigma 150/2.8, самодельный тильт-адаптор (система, позволяющая управлять наклоном плоскости резкости), вспышки, приклад, иногда штатив.

Самодельный тильт-адаптор – сделали с нуля или на основе готовой системы?

С нуля. Такой на сегодня единственный в мире (думаю, может быть еще кто-то сделал подобное сам). Использовал только готовый байонет, остальное изготавливалось. В принципе, идея не новая, но никто не выпускает тильт-системы, которые можно было бы полноценно использовать в макрофотоохоте. Потому и играю в самоделкина. Да и интересно это.

Кроме макро есть интересные Вам жанры? Пейзажи например…

Снимаю и портреты и пейзажи, но не вкладываю душу в них, оттого и результаты средненькие. Больший интерес вызывает фотоохота на птиц и других животных. Но это другая область, которая требует и серьезных финансовых вложений и времени. Макро заполняет почти все свободное время и на остальное просто почти не остается.

Много изучаете поведение насекомых?

Да, моделей надо знать
Я всегда с интересом наблюдал за насекомыми, пауками, читал, но как увлекся макрофотоохотой, так уровень изменился, читая книги известных популистов энтомологии, я не просто воображаю, я теперь вспоминаю то, что видел через окуляр…

Как удаётся так близко подбираться к моделям? Какое расстояние до объекта при съёмке пчёл?

Всегда по-разному. Пчелы одни из самых “толерантных” к человеку насекомых, их можно снимать, не боясь спугнуть, хоть с пары сантиметров, но такие объекты уже не вызывают охотничий азарт, хотя новичкам могу рекомендовать начинать с них, тренировка – очень важная вещь. Разные насекомые требуют своего подхода. К кому-то можно подобраться не делая резких движений, кто-то подпустит только во время еды, кто-то будет улетать при попытках приблизиться, но с каждой попыткой подпускает все ближе…

Бывает такое, что попадаются насекомые которых уже снимали?

Да, конечно, очень часто. Есть насекомые, которых никогда не видел, потом снял, так после этого, как правило, они встречаются довольно часто. Просто, думаю, я выучивую места, привычки, начинаю обращать внимание на новые детали.

..и видимо они запоминают Вас

Какие чувства испытываете, когда смотрите на свои старые фото?

Очень по-разному, иногда стыдно за недостаточное качество, за наивность, иногда просто воспоминания, а есть и такие, что хотел бы снять заново, с современной техникой, а условия жизни изменились, определенные сценки я уже просто не вижу, хотя и целенаправленно ищу.

Насколько Вы самокритичны? Когда вы довольны кадром?

Обычно сразу чувствую, “схватил” или нет хороший кадр. Есть кадры, с которыми приятно работать, но далеко не всегда я всем доволен. Иногда прихожу после длинной сессии и даже скачивать не хочется, не увидел, не поймал то, ради чего ходил. Технически – выход годных кадров в последнее время подрос, камерой и оптикой я очень доволен (хотя, как, наверное, все, мечтаю о следующем поколении). Бывают обидные проколы, но повторюсь, на сегодня основным критерием при отборе стал не технический, а художественный фактор и поиск необычных технических решений, которые влияют на художественное восприятие.

А можно про необычные технические решения чуть поподробнее, если конечно не секрет.

Во-первых, это работа со светом. Я применяю вспышки, т.к. многие сцены без них просто не снять с необходимым качеством. Начинал я с кольцевой макровспышки, которую теперь вспоминаю как страшный сон. Сегодня, по сути, имею целую световую студию, маленькую, разборную, походную. Есть как накамерные элементы, так и выносные. Совершенствую ее постоянно, работа со светом в макро не менее важна, чем, скажем, в портрете.

Что во-вторых?

Вторым важным моментом в макро является работа с фокусом и его глубиной, подбор ракурсов согласованных с плоскостью наилучшей резкости. В принципе, очень маленькая глубина резкости подталкивает фотографов к съемке в фас или в профиль, что, при хорошей техничности, делает все макрофотографии похожими друг на друга. Я пытаюсь уйти от столь обычных ракурсов. Один из приемов чисто технический: наклонить плоскость резкости от перпердикуляра к оптической оси, что осуществимо с помощью специального тильт-адаптора. Вещь пока новая даже для меня, я пока в процессе учебы, бывает, что ошибаюсь, но бывают и удачные моменты. Ради них и стоит эксперементировать и искать.

Я бы не стал замыкаться чисто на технике, макрофотография – очень тесное сплетение как технической так и художественной сторон, да и удача тут играет далеко не последнюю роль.

Да, изменение плоскости ГРИП очень выделяет Ваши фото среди других.

Есть и другие методы, например компьютерная сшивка, например, но тут я слабее многих мастеров, да и набрать кадры с разными плоскостями фокуса практически невозможно для подвижных объектов…

Насколько часто Вы используете ручной фокус?

Использую исключительно ручной фокус, автомат не может знать, на что нужно навестись, планов в макро, как правило много, а глубина фокуса очень мала… По-моему, проще навестись вручную на фокус, чем пытаться определять на какую точку наводиться. Хотя, конечно, бывают исключения, например съемка насекомых в полете, когда человек просто не в состоянии быстро навестись на объект…

Кроме того, автофокус в макро трудно использовать из-за большой зависимости масштаба от расстояния. Я, как и многие другие макрушники, использую следующую схему наведения: кольцом фокусировки устанавливается масштаб изображения, а фокус ловится расстоянием от объектива до объекта, т.е. качанием камеры вперед-назад. Многое зависит от камеры и объектива, по этой причине использую 5D со светлым окуляром и светосильные объективы.

Вы пробовали использовать насадки, увеличивающие изображение из окуляра?

Есть угловая насадка, но я к ней не смог привыкнуть, нарушается координация движений, если смотрю не в том же направлении, что направление движения… Хотя есть люди, которым все равно, видимо это индивидуальные особенности человека.

Ваши фото поражают глубиной резкости. Кадры в вашей галерее – кропы?

Нет, фактически все фотографии, что Вы видели, сняты на полный фрейм, а для показа в интернете применен ресайз. Некоторые работы печатались на большой формат, принимали участие в выставках.

Вы продаёте свои работы?

Нет, иногда задумывался о такой возможности, но не продавал. Я немного боюсь, что это может повлиять на отношение к фотографии, заставить снимать то, что популярно, продается…

Расскажите, пожалуйста, о съёмке какой-нибудь фотографии. Например, о пчелином улье?

Об этой речь?
Как уже говорил, есть сцены, которые снимал давно, и с тех пор ищу… К пчелиным ульям меня притягивает как магнитом, я ищу возможность переснять войны пчел с грабящими их шершнями, которые снимал в первый год увлечения макросъемкой. Но, видимо не я один обратил внимание на грабителей, шершней у ульев стало совсем мало… Этот кадр начался с дежурного просмотра места возможных битв. Увидел и водопой. Световое решение подсказало заходящее солнце, на нем пчелки очень красиво просвечивались и были похожи на янтарь, сделав несколько кадров с рук я ушел, чтоб вернуться на следующее утро более подготовленным. Снимал с дополнительной подсветкой сзади, контровым светом, с небольшой подсветкой и спереди, чтобы детали (глаза, ротовой аппарат) не ушли в глубокую тень. Данный кадр выбран из других скорее всего по причине “сдвоенности” пчел, мне в тот момент это показалось интересным…

Что Вы можете посоветовать начинающим макрофотографам?

Прежде всего запастись терпением и снимать. Опыт приходит только с практикой. Скажем, сезонные перерывы сказываются даже на мастерах, многое приходится учить заново. Теорию тоже желательно знать, это сократит путь к мастерству. Могу порекомендовать посещать сайт http://macroclub.ru – там собралась сильная группа увлеченных макрушников, общение поможет узнать больше и набивать шишки не только на своей голове

Как насекомые относятся к вспышкам?

Просто не замечают, как правило.
..Заметно чаще они реагируют на тени от человека и техники, иногда бывает очень сложно снять именно по этой причине, просто закрытие солнца воспринимается как сигнал опасности.

Спасибо большое за интервью и за приятное общение.

И вам спасибо, счастливо!

Ещё раз хочу поблагодарить Limar’a за интересное интервью и прекрасные работы.

Страница автора: http://limar.fotopage.ru/

]]> http://photodealer.ru/howto/intervyu-s-neobychnym-makrofotografom/feed 10 http://photodealer.ru/soft/professionalnaya-obrabotka-raw http://photodealer.ru/soft/professionalnaya-obrabotka-raw#comments Thu, 22 Nov 2007 00:54:26 +0000 photodealer http://photodealer.ru/soft/postproduction-v-sovremennoj-fotografii-professionalnaya-obrabotka-raw

Я предлагаю вам почитать интересную статью фотографа Саши Света о профессиональной обработке RAW файлов.

В этой статье я хочу рассказать вам о трех основных программах, которые я использую в работе: Capture One Pro, Adobe Lightroom и Adobe Photoshop. И самое главное – рассказать почему я использую именно их и для достижения каких результатов я использую каждую из этих программ.

Сегодня, мы с вами можем наблюдать очень интересный момент в развитии цифровой фотографии. А именно – цифровая фотография перестает существовать в отрыве от компьютерной пост-обработки. И речь не о пресловутой возможности “отфотошопить” фотографию. Нет! Я говорю о полноценном процессе создания законченной фотографии, где обработка – это такая же неотъемлемая часть процесса получения фотографии, как и сама съемка.

Фотографы начинают приходить к мысли, что обработка, это не способ компенсировать огрехи в съемки, а необходимый профессиональный инструмент.

И именно это изменение в восприятии обработки рождает спрос на программы по обработки фотографий. Ну а спрос, как мы знаем, рождает предложение.

На сегодняшний день рынок программного обеспечения переполнен различными программами для конвертации RAW файлов и их последующей обработки. И зачастую в этом ворохе софта очень сложно разобраться, особенно человеку, недавно пришедшему к мысли о необходимости обработки фотографий. В интернете, на фото-форумах и блогах его встретит хаос советов и рекомендаций. Но среди этого океана информации нет самого главного – объяснения почему, зачем и как надо использовать эти программы.

Эта печальная ситуация и подтолкнула меня к написанию данной статьи.

В этой статье я хочу рассказать вам о трех основных программах, которые я использую в работе: Capture One Pro, Adobe Lightroom и Adobe Photoshop. И самое главное – рассказать почему я использую именно их и для достижения каких результатов я использую каждую из этих программ.

Возможно вы работаете с другими программами – ваше право. Но все, что вы прочитаете в этой статье, основано на моем личном опыте работы. И подтверждением моим словам лучше всего послужат мои фотографии и клиенты, с которыми я работаю.

Обработка, как инструмент работы фотографа.

Почему именно Capture One, Lightroom и Photoshop?

Ответ очень прост – именно комплексная работа с этими программами позволяет решить любые поставленные задачи.

Очень важно понимать, что обработка это только инструмент в ваших руках. И в зависимости от поставленной задачи этот инструмент нужно использовать по разному. На мой взгляд, имеет смысл выделить три основных вида обработки:

• Техническая обработка
• Художественная обработка
• Обработка репортажной съемки

Конечно, подобное деление на виды обработки очень условное. Но для рассказа о тонкостях каждого типа обработки просто не хватит места в статье. Поэтому лучше подробно поговорим о этих трех видах обработки.

Техническая обработка.

Она применяется, когда вы точно знаете, какой результат должен быть на “выходе”. Будь то съемка свадьбы, портфолио или предметная съемка. Вы четко представляете, какие цвета вы хотите получить, какие тонкости будут в работе над конкретным заказом.

В данном случае работаем в Capture One + Photoshop.

Почему? Потому-что в большинстве подобных заказов идет работа с людьми. А это значит, что необходимо правильно, “красиво” и по “настоящему” передать цвет кожи человека. Я неспроста взял эти слова в скобки. Дело в том, что во время съемки людей, цвета (и в первую очередь цвет кожи) играют огромную роль. В отличии, например, от съемки натюрморта, когда зритель не знает, как в оригинале выглядит предмет, который вы сфотографировали. А даже если и знает, незначительные изменения в цвете никогда не вызовут негативной реакции у зрителя. Просто потому-что об этом никто не задумается. С цветом кожи дела обстоят иначе – зритель моментально почувствует “фальшь” в вашей картинке.

Чтобы избежать “фальши” цветов на фотографии нужно выбрать RAW конвертер правильно передающий цвета.

Существует масса RAW конвертеров, но их общая проблема в том, что производители камер не делятся информацией о том, как именно их камеры “видят” цвета. Поэтому производителям софта приходиться “угадывать” эти настройки. И как результат – каждый RAW конвертер имеет свои представления о “настоящем” цвете у камер.

Я работал с разными RAW конвертерами и остановил свой выбор на Capture One Pro (далее С1) именно потому, что она показывает цвета максимально адекватные реальности. C1 использует систему ICC профилирования и для каждой модели камеры в С1 есть свой профиль. Работа с ICC профилями дает и другие плюсы, но этой теме нужно посвятить уже отдельную статью.

Очень важно, чтобы RAW конвертер показывал “настоящие” цвета, а не изменял их сам под “настоящие”. Цвета должны быть именно такие, какими они должны получится исходя из настроек камеры и условий съемки. Дабы не быть многословным приведу пример.

Условия съемки и изначальные настройки камеры были таковы, что цвета кожи приобрели желтоватый и местами немного зеленоватый оттенок. И C1 показывает именно такую картинку. Но Adobe Camera Raw (версия 4.3 – самая новая на момент написания статьи) показывает цвета совсем по другому. Она старается “подогнать” цвет лица под более “красивый”. Мало того, что у нее это получается плохо – лицо человека стало таким, будто он недавно вышел из бани, самое плохое, что подобные “подгонки” сильно помешают в последующей работе с цветом. Ведь для точный работы с цветом нам нужны изначально верные цвета.

И еще один пример:

На этой фотографиях в равной степени была увеличена насыщенность, экспозиция и контрастность. Как мы видим С1 показывает более динамичные цвета нежели ACR.
Почему я сравниваю именно c ACR? Просто потому-что все прочие RAW конвертеры работают с цветами примерно на том же уровне, что и ARC или еще хуже. Но в отличии от многих других конвертеров, ACR имеет серьёзные возможности для обработки. Кроме того Adobe Lightroom, о которой также пойдет речь в этой статье, работает на системе ACR.

Итак, мы отконвертировали RAW в Capture One и теперь переходим к работе в Adobe Photoshop.

Photoshop нам нужен для обработки деталей. Дело в том, что каким бы хорошим не был RAW конвертер, он все равно остается именно RAW конвертером. И за детальной обработкой мы обращаемся в Photoshop.

Работая в C1 я остановился на таком цветовом решении:

На мой взгляд оно лучше всего подходит для этой фотосессии ( подробно о этой фотосессии можно почитать в моем блоге)

В Photoshop я поработал с деталями на этой фотографии:

• Через LAB увеличил резкость.
• Тень у правого глаза девушки сильно уходила в зелень. Поправил с помощью Selective Color.
• Добавил немного блюра на ветки ели.
• Усилил акцент на глазах девушки – Резкость + Dodge Tool.

Посмотрим что получилось:

Такая работа с деталями – очень важный аспект обработки фотографий и именно грамотная обработка деталей создает красивую общую картину.
Теперь вы видите, что в технической обработки лучше всего совмещать работу в Capture One для получения нужного цветового решения и Photoshop для детальной обработки.

Художественная обработка

В данном случае я говорю о обработке, когда нет четких рамок, установленных заказчиком. Когда вы максимально свободны в своих действиях. Например, когда ваша задача сделать ретро или цветовую стилизацию в свободном стиле. Или когда вы снимаете “для себя”.

Работаем в Adobe Lightroom + Photoshop

Самое главное требование к программе для художественной обработки это максимальные возможности с максимальной их доступностью.

Поясню. В том же С1 можно сделать практически все тоже самое, что и в Lightroom. Но времени это займет много больше. Если вы, скажем, захотите обесцветить только красные цвета на картинке – в Lightroom вы сможете это сделать одним движением “рычажка” в настройках. В С1 вам придется создавать свой собственный цветовой профиль и настроить его таким образом, чтобы все красные цвета на картинке обесцветились. Хотя это удобство “быстрой” работы в Lightroom имеет и обратную сторону – качество и возможности обработки в С1 больше. Именно поэтому если вы точно знаете, какой результат хотите получить, лучше работать в С1.

Но далеко не всегда знаешь, какую картинку хочешь получить. Иногда нужно иметь возможность просто подвигать эти самые “рычажки”, чтобы прийти к определенному осмысленному цветовому решению картинки.
Поэтому на мой взгляд оптимальный вариант для художественной обработки это – основную часть работы делать в Lightroom, а детальною обработку проводить опять таки в Photoshop.

Хотя по своей сути Lightroom это тот же Adobe Camera RAW + удобный интерфейс и возможность каталогизации фотографий. Разницы в возможностях обработки – никакой. Но работать в интерфейсе Lightroom мне лично намного удобнее, особенно когда работаешь с большим количеством фотографий и нужна возможность просто и быстро выставлять приоритетность для каждого снимка, сравнивать “дубли” и пр.
В качестве примера художественной обработки хочу привести одну из своих концертных фотографий.

Иногда “для души” я снимаю выступления музыкантов. Просто мне это нравится – нравится энергетика, которая идет со сцены, нравится пытаться запечатлеть ее в фотографии. Но концертная фотография мне интересна еще потому, что здесь очень важно умение обрабатывать фотографии. Все фотографы в одинаковых условиях и сделать выделяющийся кадр из сотен подобных можно только благодаря умению обработку, ну и построению самого кадра при съемки, конечно.

Эта фотография сделана в Лужниках, на концерте группы Кипелов. Обычный, ничем не выдающийся концертный свет и как следствие обычная фотография.

Но после грамотной обработки получилась действительно интересная работа.

75% обработки – Lightroom, 25% – Photoshop.

Кроме резкости Photoshop был нужен еще и для работы с цветом. Дело в том, что возможности изменения цвета в RAW конвертере не безграничны и в некоторых случаях, чтобы получить “вкусные” цвета, нужно дополнительно работать в Photoshop. Но это тоже тема для отдельной статьи.

Единственное, что хотелось бы добавить – безусловно есть программы аналогичные по функция с Lightroom. Например Apple Aperture. Но на мой взгляд ее интерфейс менее удобен и работает она заметно медленнее, нежели Lightroom. Но решать вам.

Обработка репортажной съемки

В данном случае я говорю о коммерческом репортаже. Это особая область обработки фотографии, где от программы требуется не только качественное конвертирование RAW, но и высокая функциональность пакетной обработки фотографий.

Работаем в Capture One

В Capture One есть все необходимые функции для обработки репортажной съемки:

• Возможность проведения всего рабочего процесса в одной программе, иначе при больших объемах материала, обработка займет очень много времени.
• Удобная пакетная обработка фотографий, т.е. изменение баланса белого, экспозиции, резкости и пр. cразу на группе фотографий.
• Корректная работа с цветами.
• Корректная работа с шумами и резкостью.
• Возможность распределить весь рабочий процесс на “горячих” клавишах.
• Адекватная скорость конвертирования RAW файлов.
• Возможность конвертировать фотографии одновременно в несколько форматов. Это очень удобная функция, как правило я всегда конвертирую файлы не только в оригинальном разрешении, но и делаю отдельную папку с превью фотографий, для более быстрой и удобной демонстрации клиенту.
• Возможность выставлять рейтинг фотографиям, на этапе выборки брака и “дублей” эта функция отлично экономит время.

Безусловно, многие из этих функций есть и в других программах, но из всех RAW конвертерах, с которыми я работал Capture One лучше всего подходит для пакетной обработки фотографий.

Пара слов в заключение

Думаю, у вас уже возник логичный вопрос – почему я придаю такое значение именно работе с цветом в RAW конвертерах и практически ничего не написал о шумах или резкости. Дело в том, что на мой взгляд работа с шумами и резкостью это далеко не приоритетная вещь для RAW конвертера.

Для серьезной работы с шумами есть специализированные плагины для Photoshop, а для увеличения резкости нет ничего лучше просто грамотной работы с sharpen фильтрами в сочетании с history brush. Если же вы работаете с пакетной обработкой фотографий, то возможностей по удалению шумов и поднятию резкости, которые есть в С1, будет более чем достаточно.

Отдельно хотелось бы сказать об одной программе – RAW Developer. Потрясающий по возможностям конвертер, который умеет работать с L каналом LAB пространства, действительно профессионально работает с шумами и резкостью. Но… Работает только на Mac OS, аскетичен до крайности в интерфейсе и совершенно не предназначен для пакетной обработки фотографий. Если же вы пришли к тому, что возможностей Capture One вам действительно не хватает – попробуйте RAW Developer.

Надеюсь эта статья поможет вам разобраться в конвертации и обработке RAW файлов. Если у вас возникли какие-то вопросы вы можете задать их в комментариях к этой статье (на блоге photodealer.ru) или же написать мне на мейл – ya[sobaka]sashasvet.ru По возможности постараюсь ответить на все ваши вопросы. Но первый вопрос у меня к вам – у меня есть идея написать серию подробных статей по обработке фотографий, интересно ли оно вам? Если да – отпишитесь, не стесняйтесь. И, возможно, тогда эти статьи увидят жизнь.

Автор: Саша Свет
www.sashasvet.ru

Хочу выразить благодарность Александру за подробную и интересную статью, которая должна ответить на многие вопросы связанные с выбором программ для постобработки фото.

Если вам понравилась статья, можете разместить её у себя с ссылкой на www.sashasvet.ru и photodealer.ru. Или с помощью баннера.

Код баннера для этого поста:

Сразу оговорюсь – я работаю с техникой Nikon и данный способ гарантированно работает с камерами D70, D70s, D80, D200 и вспышками SB-600 и SB-800. Если же у вас техника Canon, Sigma и пр. – этот способ так же скорее всего будет работать, т.к. важен сам принцип работы, а за техническими настройками можно заглянуть в инструкцию камеры и вспышки

Суть способа очень проста – встроенную вспышку фотоаппарата мы назначаем ведущей, а внешнюю – ведомой. Это значит, что внешняя вспышка будет срабатывать на свет от встроенной вспышки. Настройками внешней и встроенной вспышки можно управлять из меню фотоаппарата.

Итак, приступим.

Настраиваем Nikon D200:

1) Входим в меню камеры
2) Выбираем раздел Custom Setting Menu (Меню Собств. Настроек)
3) Выбираем раздел Bracketing/ Flash (Брекетир./Вспышка)

4) Выбираем раздел Built-in Flash (Встроенная вспышка)

5) Выбираем раздел Commander Mode (Режим Управления)

6) В разделе Commander Mode

Здесь можно менять настроки внешних и встроенной (Built-in) вспышек, а также устанавливать группы и каналы для работы со вспышками. По умолчанию для вспышки SB-600 рабочий канал – 3, а для SB-800 – 1. Если каналы в настройках камеры и вспышки не будут совпадать – система не будет работать.

Группы нужны, если вы работаете сразу с несколькими внешними вспышками и для каждой группы вы сможете задать свои настройки. Если вы работаете с одной внешней вспышкой – по умолчанию ваша группа – А.

Настраиваем Nikon Speedlight SB-600:

1) Одновременно нажимаем и держим кнопки «ZOOM» и « – « , чтобы попасть в раздел настроек CSM
2) Кнопками «+» и «-« листаем функции, пока не находим Z-образную стрелочку с надписью OFF. Эта функция включает беспроводную связь между вспышкой и камерой. Кнопкой «MODE» включаем режим ON
3) Выходим из режима CSM. Это можно сделать одновременным нажатием «ZOOM» и « – « или просто нажатием кнопки «вкл./выкл» вспышки

Если вы все сделали правильно, на дисплее вспышки вы увидите надписи “Channel 3″ и “GROUP A”.

Вот и все – можно снимать!

Несколько важных дополнений:
- В таком режиме работы вспышка не уходит в режим ожидания – не забывайте выключать вспышку, иначе батареи быстро сядут.
- Так же, в таком режиме вспышка не распознает зуммирование камеры, поэтому настройки зума необходимо выставлять вручную на вспышке.
- Если вы захотите снова снимать в «обычном» режиме – обязательно верните настройки и камеры и вспышки в стандартный режим.

Безусловно, этот способ не предназначен для постоянного использования, но в некоторых ситуациях он может очень пригодиться.

Хочу поблагодарить автора материала, фотографа и обалденного корректора фото – Саша Свет.

Калибровка монитора с помощью Adobe Gamma.

Запускаем Adobe Gamma из панели управления.. Выбираем пошаговую настройку Step-By-Step (Wizard).

1. Загружаем профиль производителя монитора или sRGB IEC61966-2.1

2. Настраиваем контраст и яркость. В первую очередь поднимаем контраст монитора до максимума (но я бы советовал поднять до 90-95%, чтобы не раздражать глаза).

3. Настройка характеристик люминофора. В окне выбора стоит профиль, который Adobe Gamma считает подходящим, если считаете, что он неверный, тогда выберите Custom.

4. Настройка гаммы монитора определяет яркость средних тонов. Регулируйте ползунок так, чтобы квадрат в центре сливался с рамкой. Можно снять галку и устанавливать гамму по красному, зелёному и синему, но это сложнее и серая в итоге будет результирующей. Выбираете Win или Mac.

5. Выберите значение цветовой температуры. Я выбирал из готовых установок, но можете воспользоваться настройкой (кнопка Measure, где надо из трёх квадратов надо выбрать нейтрально серый.).

6. Вы можете работать с другим балансом белого, нежели настроен ваш монитор. Лучше оставить настройку монитора – Same as Hardware.

7. Сравниваем новые настройки и старыми. Сохраняем их.

8. Новые настройки автоматически применяются по умолчанию к вашему монитору.

9. Профиль так же автоматически должен загрузиться в память (так называемую таблицу LUT) видео-карты, проверить –
загружен он или нет можно с помощью специализированного софта типа ColorLab, но можно и не проверять,
для гарантии просто нажмите на ярлык Adobe Gamma в Пуск / Автозагрузка.

10. В фотошопе нужно настроить управление цветом. В Photoshop CS3: Edit -> Color Settings -> North America General Purpose 2.

12. Теперь когда вы выбираете View -> Proof Setup -> Windows RGB – вы видите картинку такой, какая она будет в просмотровщике и браузере. Если в 4 пункте выбрали гамму для Mac’a, в photoshop соответственно выбираете Macintosh RGB. Опция не зависит от операционной системы.

Несоколько дополнений:

A. Если изображение выглядит по разному в разных программах – посмотрите какой профиль у этой фотографии. Чтобы сменить профиль нужно зайти в Edit -> Assign Profile.. -> выбрать sRGB.
B. Изображение нужно обрабатывать в том профиле, в котором оно было получено. И только в итоге конвертировать его.
C. Почему photoshop может показывать картинки в Win и Mac RGB? Photoshop создаёт изображение на экране через железо, т.е. обходя свредста ввывода Win или другой ОС. Поэтому фотошоп может показывать картинку как в Win RGB, так и в Mac RGB. Ведь photoshop сам её создаёт, поэтому он может эмулировать сигнал прошедший через ОС.

Ещё материалы по теме:

• Подробнее о цветовых профилях RGB, какие бывают и зачем нужны, можно почитать у Arry на DTP Craft
• Оказывается недавно Макс-вордпресс тоже калибровал монитор

При подготовке статьи использовался комментарий
illyn в ru_photoshop

]]> http://photodealer.ru/howto/kalibrovka-monitora-s-pomoschyu-adobe-gamma/feed 15 http://photodealer.ru/howto/vyiderzhka-diafragma-i-chuvstvitelnost-vvodnaya-statya http://photodealer.ru/howto/vyiderzhka-diafragma-i-chuvstvitelnost-vvodnaya-statya#comments Mon, 10 Sep 2007 06:33:07 +0000 photodealer http://photodealer.ru/howto/vyiderzhka-diafragma-i-chuvstvitelnost-vvodnaya-statya Введение.

Прежде чем написать что такое выдержка и диафрагма, небольшое отступление. Для каждого кадра требуется определённое количество света (экспозиция). В фотоаппарате есть три возможности дозировать световой поток: диафрагма, выдержка и чувствительность. Чувствительность используется лишь в тех случаях, когда ситуация не позволяет изменять выдержку и диафрагму. Кроме контроля поступления света на матрицу, выдержка и диафрагма – это эффективные художественные инструменты. Сперва их надо понять, а со временем и опытом придёт лёгкость применения. Опытный фотограф использует эти инструменты на уровне подсознания. Итак..

Диафрагма.

(diaphragma – перегородка, греч.), в английском «апертура» (aperture, англ.)

Диафрагма – элемент конструкции объектива, отвечающий за диаметр отверстия пропускающего свет на светочувствительную поверхность (плёнку, либо матрицу).

Для простого понимания диафрагмы — приведу аналогию с окном. Чем шире открыты ставни окна, тем больше света проходит через окно.

Диафрагма обозначается так f/2.8 или f:2.8, определяется как отношение фокусного расстояния к диаметру входного отверстия объектива. Очень часто путаются понятия открытой, большой диафрагмы (f/2.8) и большого диафрагменного числа f/16. Чем меньше число в обозначении диафрагмы, тем больше она открыта.
Меняя F на одно значение, количество света попадающего в камеру меняется в 2 раза. Это называется ступенью экспозиции. Любые изменения (по шкалам фотоаппарата) экспозиции происходят с шагом в 1 ступень. Для точности ступень делят на трети, если это необходимо.

Диафрагма – очень мощный визуальный инструмент. Максимально открытая диафрагма даёт очень маленькую ГРИП (глубина резкости изображаемого пространства). Малый ГРИП визуально выделяет объект на размытом фоне.
Для получения большой ГРИП используется максимально закрытая диафрагма. Чтобы получить большую глубину резкости в кадре, используйте диафрагменное число 8 и больше. Однако, играя величиной диафрагмы, помните, что приближаясь к крайним значениям диафрагмы есть следующие опасности. При открытой – наихудшие показания резкости, а при закрытой вся пыль на матрице будет видна на кадре (для цифровых фотоаппаратов).

Большая глубина резкости подходит больше для пейзажной фотографии, когда зрителю будет интересно рассмотреть все детали фотографии.

большая глубина резкости, фон чёткий	малая глубина резкости, фон размыт

Выдержка.

Выдержка – интервал времени на который открывается затвор для пропускания света на светочувствительный элемент.

Снова поможет аналогия с открытым окном. Чем дольше открыты створки, тем больше света пройдёт.

Выдержка всегда измеряется в секундах и миллисекундах. Обозначается как: 1/200, в камере отображается только знаменатель: 200. Если выдержка секунда или длиннее, обозначается так 2″ т.е. 2 секунды.
Минимальная выдержка при съёмки с рук (для получения резкого кадра) не постоянна и зависит от фокусного расстояния. Зависимость обратная, т.е. для 300 мм лучше использовать выдержки короче 1/300.
Длинная выдержка подчёркивает движение объектов. Например, проводка – при длинной выдержке, 1/60 и длиннее, камера следует за объектом, таким образом фон размывается, а объект остаётся резким. Текущая вода на длинной выдержке превращается в замороженные фигуры.
Очень короткие выдержки, использую для остановки мгновения, такого как брызги упавшей капли или полёт пули.

короткая выдержка, движение лопастей почти заморожено	длинная выдержка, движение машин размыто

Чувствительность ISO.

Чувствительность – это чисто техническое понятие, обозначающее чувствительность матрицы (или плёнки) к свету. Представьте загорающих людей на пляже. Тот у кого кожа более чувствительная загорит быстрее, т.е. ему надо меньше света для этого. Другому же наоборот, надо больше света, чтобы загореть, потому, что у него низкая чувствительность.

Чувствительность напрямую связана с количеством шумов. Чем больше ISO тем больше шумов, а у плёнки размер зерна. Почему? Чисто технически, вообще это тема расширенной статьи.

При ISO 100 сигнал снимается с матрицы без усиления, при 200 – усиливается в 2 раза и так далее. При любом усилении появляются помехи и искажения и чем больше усиление, тем больше побочных эффектов. Они и называются шумами.

Интенсивность шумов разная на разных камерах. При минимальном ISO шумы не видны и так же менее проявляются при обработке фотографии. Начиная с ISO 600 почти все камеры достаточно сильно шумят и для получения качественного кадра надо использовать программы для шумоподавления.

Итог.

Вместе значения выдержки и диафрагмы – образуют экспозиционную пару (оптимальное, правильное для данных условий освещения сочетание выдержки и диафрагмы). Экспопара определяет экспозицию кадра. Раньше для определения использовали экспонометры, которые определяли выдержку исходя из количества света и диафрагмы. Раньше использовался экспонометр как отдельное устройство, сегодня он встроен практически в каждую камеру.

В каждом зеркальном фотоаппарате присутствуют режимы приоритета выдержки и диафрагмы. В режиме приоритета диафрагмы, выбирается диафрагма, а камера анализируя уровень света, подбирает выдержку. Все наоборот в режиме приоритета выдержки. Почти всегда я использую приоритет диафрагмы, он даёт возможность работы с глубиной резкости. Если же есть необходимость снимать движение, я использую режим приоритета выдержки.

Надеюсь это информация будет Вам полезна. Продолжение следует!

P.S.Комментарии приветствуются.

]]> http://photodealer.ru/howto/vyiderzhka-diafragma-i-chuvstvitelnost-vvodnaya-statya/feed 107